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En lo salvaje

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No me gusta nada poner etiquetas, ya que son susceptibles de manipulación y pueden ser usadas como arma arrojadiza.  Se me hace extraño escuchar términos cómo ecofeminismo. A estas alturas, debería de ser tan innecesaria la defensa de la naturaleza cómo la de la mujer, me parece de cajón. Todos deberíamos de defender y proteger la vida natural del planeta que nos acoge, así cómo todos deberíamos proteger y defender a las mujeres. Que yo sepa, a todos nos ha parido una. Por absurdo que parezca, desgraciadamente esto no es así,  tal y cómo están las cosas sigue siendo necesaria  esta reivindicación. Si para eso tengo que colgarme la etiqueta de feminista, ecologista y ecofeminista , pues me las cuelgo todas y tan orgullosa. Aunque igualmente, debería de colgarme también la de humanista, ya que,  aunque reniegue pertenezco a la “raza humana” y la RAE define el adjetivo humano en su cuarta acepción cómo “Comprensivo, sensible a los infortunios ajenos”. Tristemente  es una cualidad que también necesita reivindicación.

Lo salvaje se contrapone a la razón, a lo civilizado y al orden, estando asociado a lo mágico  y  misterioso.  Tradicionalmente, la especial conexión de lo femenino con la naturaleza ha dado lugar a malinterpretaciones, especialmente desde la aparición de las religiones monoteístas  judeocristianas y musulmana donde lo salvaje se asoció al pecado y a las supersticiones y  por lo que miles de mujeres fueron (y son) perseguidas.

Qué hay de salvaje en lo humano y qué hay de humano en lo salvaje, esta es la reflexión que nos propone  la exposición En lo salvaje,  que nos describe su comisaria  Semíramis González  con las siguientes palabras : “Esta exposición traza un recorrido entre lo más salvaje del ser humano pasando por los cambios que este sufre a lo largo de su vida, en consonancia con el propio paisaje, para terminar en lo que de humano hay en la naturaleza y en la necesidad de preservarla ante la destrucción industrial. Cinco discursos diferentes para hablar, al final, de la existencia misma”.

En lo salvaje reúne el trabajo de cinco mujeres: Lucía Antebi, Elena Fernández Prada, Cristina Ferrández, Ángela Losa y Miren Pastor.

paraisoElena Fernández Prada. Paraíso, 2014, óleo sobre tabla 118 x 127cm

Dos óleos de Elena Fernández Prada son las únicas piezas no fotográficas de la muestra.  Se trata de una reinterpretación fragmentada y acumulativa de la obra del Bosco. En”Paraiso”  la artista crea un collage visual con cierta apariencia caótica de la belleza donde se pueden identificar fragmentos de pinturas renacentistas y flamencas donde la presencia humana se muestra vulnerable ante una exuberante naturaleza. Fragmentos de cuerpos y pies desnudos sobre hierba fresca que representan un posible futuro donde la naturaleza, al fin, recupera lo que es suyo y se impone a la barbarie humana. Como contraposición “Infierno” muestra una naturaleza arrasada por el fuego y las construcciones humanas, en una visión aún mas apocalíptica.

infierno_bigElena Fernandez Prada. Infierno, 2014, óleo sobre tabla,165 x 120cm

Lucía Antebi (Buenos Aires, 1976) presenta fotografías de dos series distintas. En primer lugar, nos encontramos ante un paisaje natural donde una pareja de espontáneos observa desde lo alto de una roca, como si se tratara de focas en un zoológico, a unas personas tumbadas o bañándose en una poza. Antebi genera situaciones con sus modelos para provocar reacciones en personas ajenas al montaje que luego captura con su cámara.

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    ©Lucía Antebi

En We Pee el entorno natural se cambia por el urbano. Una masa de cemento gris, salpicada de pequeñas irrupciones vegetales, envuelve a una mujer orinando en la calle, escena provocativa que desencadena la reacción de los viandantes. O en este caso, la falta de reacción de un señor que pasa por allí como si nada. La intención de la artista es la de romper la continuidad de lo cotidiano, inyectando pequeños elementos que transforman la realidad, la reinventan y la convierten en otra cosa.

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Cristina Ferrández (Alicante, 1974) presenta el trabajo mas reivindicativo. Las fotografías y el vídeo de Instante Entropía denuncian la destrucción del entorno natural por dos factores característicamente humanos: el desarrollo industrial y los intereses económicos.

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Fernández presenta, bajo una luz plomiza, un entorno natural ennegrecido por la escoria resultante de la industria siderúrgica en las calas de Cabo Negro en Asturias. Por este paisaje se mueven unas inquietantes figuras envueltas en plásticos. Personalmente interpreto una aparente actitud de vergüenza y sumisión  en estas figuras que parecen pedir perdón. De este modo la artista cuestiona la presencia y decadencia del ser humano, aunque con cierta mirada positiva, reflexionando sobre cómo la naturaleza integra ese residuo y lo hace parte suya, volviendo al origen.

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©Cristina Ferrández

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©Cristina Ferrández

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 Ángela Losa (San Sebastián, 1987)  aporta una mirada más  introspectiva y poética hacia el paisaje en su serie Landes. Sus fotografías han sido tomadas en Las Landas, una larga franja de playa arenosa y dunas protegidas en el suroeste de la costa de Francia, donde la artista pasaba los veranos en su infancia.landes_angela-losa_2 Al pasar una temporada  en soledad allí en su casa familiar , se acerco a ese paisaje de otra manera y comenzó a fotografiar las huellas que deja la gente a su paso por la naturaleza y las apropiaciones que de ella se hace para los espacios más urbanizados.
Este trabajo cargado de cierto tono zen  retrata esta franja de desierto entre el bosque y el mar, donde la presencia humana es bastante comedida a pesar del turismo estacional y conserva cierta apariencia salvaje, aunque sea así precisamente por la “protección” del ser humano.

©Angela Losa

 

 

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Para terminar, En lo salvaje incluye también Bidean el trabajo de Miren Pastor (Pamplona, 1985) que se mereció un post anteriormente en este blog. Haciendo honor al significado de su título, este proyecto sigue su camino en un proceso de transformación y desarrollo que, de momento, ha generado  dos fotolibros. En esta exposición se pueden ver  nuevas fotografías de este proyecto que expresan muy bien la relación que establece la autora entre los cambios que se producen en la adolescencia y los cambios en el paisaje. Entre ellas cabe destacar la de un árbol cuyas raíces siguen en parte aferradas a la tierra y en parte intentando escapar de ella, o la de un rio donde unas diminutas figuras se encuentran a un lado de la orilla y otras en el lado opuesto con intención de cruzar.

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©Miren Pastor

Tras tiempo sin escribir en ese blog, esta exposición me ha motivado a hacerlo de nuevo. Estas cinco mujeres demuestran tener una relación especial con lo salvaje y bajo sus diversas miradas subyace una sensibilidad especial y, a mi entender, una preocupación común con la que me siento profundamente identificada. Personalmente mi interés por la relación del ser humano con la naturaleza traspasa el campo profesional al personal y viceversa. Cómo bien apunta Semíramis González se trata de la existencia misma.

En lo salvaje estará hasta el  26 de Noviembre  en el Centro de Arte Alcobendas (Madrid).

Hablar de lo salvaje me hace recordar el mito del buen salvaje y otra entrada de este blog así titulada, dedicada al libro Amazonia de Claudia Andújar y George LoveOs invito a revisitar el articulo, es uno de mis libros preferidos.

 

 

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Nancy Burson: Una máquina para envejecer.

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“Evolution II,” composición síntesis de humano y chimpancé.

Nancy Burson (Saint Louis, EE.UU., 1948) es una artista interesada por la relación entre arte y tecnología que ha alcanzado gran reconocimiento  practicando la síntesis fotográfica (ella las denomina “photo composites“). Tras una visita en 1968 a una exposición en el MOMA de Nueva York titulada:“The Machine as Seen at the End of the Industrial Age”,  se le ocurrió la idea de proyectar un dispositivo capaz de mostrar las diferentes fases del envejecimiento del rostro de una persona. Tras ser rechazada su propuesta por varios centros tecnológicos, finalmente fue aceptada en 1980 por el MIT (Massachussets Institute of Technology). Con la ayuda del ingeniero Tom Schneider, que diseñó el sistema de interpolaciones que permitía a Burson transformar los rostros, y de los informaticos Richard Carling y David Kramlich, que se ocuparon de los gráficos, nació “The Aging Machine”. 

Esta máquina permitía que, a partir de un retrato digitalizado, se aplicaran patrones de cambio fisiológico estándares producidos por el paso del tiempo. Los resultados fueron tan sorprendentes que hasta el mismísimo FBI aprovecharía esta técnica en la búsqueda de niños desaparecidos.

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“The Age Machine”, 1990.

Esta claro, que lo que verdaderamente tendría éxito en la actualidad sería la máquina rejuvenecedora, con impresión 3D en el careto de efecto permanente. Pero de lo que va el trabajo de esta autora es precisamente de todo lo contrario. Se trata de superar y trascender el mundo de las apariencias, de hacer desaparecer las clasificaciones de género, raza, edad o cualquier otro aspecto que venga dado por la envoltura exterior de las personas.

En 1987 se casó con Kramlich con el que seguía colaborando, y adaptó la técnica para seguir creando sus “Composites”, imágenes superpuestas de manera informática.

El trabajo de Nancy Burson es pionero en el uso de las tecnologías digitales y plantea provocativamente cuestiones sobre la percepción de la identidad. Su actitud hacia la ciencia esta pintada de ironía y una aguda consciencia de los absurdos incrustados en conceptos históricos como el genero y la raza. Se posiciona en una metáfora entre lo individual y lo genérico, y entre el ser y el parecer.
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“Warhead I” (Reagan 55%, Brezhnev 45%, Thatcher menos de  1%, Mitterand menos de 1%, Deng menos de 1%) 1982

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Primer y segundo “Beauty Composites” (Izquierda: Bette Davis, Audrey Hepburn, Grace Kelly, Sophia Loren, Marilyn Monroe. Derecha: Jane Fonda, Jacqueline Bisset, Diane Keaton, Brooke Shields, Meryl Streep) 1982

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“Androgyny” (6 hombres + 6 mujeres) 1982

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Primer y segundo “Male Movie Star Composites” (Izquierda: Cary Grant, Jimmy Stewart, Gary Cooper, Clarke Gable; Derecha: Richard Gere, Christopher Reeve, Mel Gibson, Warren Beatty, Robert Redford) 1984.

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“Mankind“, 1983-1985. Las imagenes usadas pertenecen a un libro del siglo XIX de estereotipos raciales y fueron cuantitativamente ponderadas para reflejar las estadísticas de la población mundial.

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“Baby Marilyn and Baby Elvis”, Unica Polaroid  generada a partir de composiciones por ordenador, 1988

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Síntesis de Jesus, Mahoma y Buddha.

Su obsesión por la maleabilidad del rostro humano se volvió  más personal cuando embarazada, empezó a preocuparse por las malformaciones que podría sufrir su bebe. En 1988 y 1989 realizó una serie de imágenes generadas por el ordenador de las posibles deformaciones faciales.

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“Aged Barbie”, 1994

“The Human Race Machine”: Cambiando las perspectivas de diversidad racial desde1999. Inicialmente concebida como herramienta para a discusión sobre temas de raza y etnia, es una herramienta perfecta para explorar la propia identidad. No nos olvidemos que se trata de una maquina en la que cada cual puede someterse a este experimento y obtener una composición de las distintas transformaciones del propio rostro. Cada uno se ve a si mismo como asiático, negro, hispano, indio, árabe, o blanco.

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Foto publicada en post-gazzate.com

“Mankind” 2003-2005 (De izquierda a derecha: Versión masculina, version combinada, version femenina). Estas imágenes están ponderadas según  las estadísticas de población actual  desde 2003.

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He/She, 1997. El género es uno de los  primeros marcadores que usamos para jugar las apariencias. Esta serie de Polaroids  muestra rostros de personas que escogio por no ser facilmente clasificables como hombre o mujer. Cuestionando las suposiciones comunes sobre  las caracteristicas de genero  Las imagenes de  He/She proprcionan un juego de adivinanzas para el que no existe respuesta correcta. Las fotografías de Burson demuestran la fluidez del genero y sugieren que todos podemos tener identidades de género alternativas.

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Unique 24″ X 20″ Polaroids  1997-8

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Unique 24″ X 20″ Polaroids  1997-8

Burson forma parte de un numeroso grupo de artistas contemporáneos que se han interesado por reconstruir críticamente las obsesiones taxonómicas mediante metodologias gráficas y por parodiar el proceso de síntesis de  Francis Galton y Arthur Batut. Ambos mantenían que los rasgos de la apariencia de  una persona podían ser codificados y discernidos en sistemas clasificatorios y organizativos.

Entre esos autores están los que menciona al respecto Joan Fontcuberta en su libro “La Cámara de Pandora”: Krzystof Pruszkowski, Gerhard Lang, Bruno Bresani, Adriana Calatayud, Juan Urrios,  el duo Technica Schweiz (formado por los hungaros Gergely Lászlo y Péter Rákoski), Renato Roque, Leandro Berra y Dalia Chaveau.

Para tener claros los antecedentes sobre los cuales se plantea su obra este grupo de artistas, creo necesario,  hacer mención de unos de los máximos representantes del fanatismo taxonómico del siglo XIX, que  por supuesto, estuvo muy ligado a los inicios de la historia de la fotografía. Ya desde entonces, se le exigió a la cámara registros de análisis que derivaron en instrumentos de control social.

Francis Galton (primo de Darwin), obsesionado por el uso innovador de la fotografía para leer signos faciales y corporales , quería  poder establecer una antigua teoría que afirmaba la posible determinación del carácter y los rasgos de la personalidad, así como las tendencias criminales, basándose en la forma del cráneo, cabeza y facciones.

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Composite Photograph by Francis Galton 1883, Compuestos por sobreimpresión persiguiendo el retrato generico de un criminal.

Arthur Batut llego a admitir que, para alcanzar una verdad sociológica y etnológica, había que recurrir a una mentira fotográfica fuera de la ortodoxia documental recurriendo a la fotosíntesis. Se puede deducir que ya entonces Batut concedía la posibilidad de coexistencia de varias verdades simultáneamente.

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Arthur Batut, Retrato tipo mediante síntesis de las mujeres de Labruguiére, 1886.

La mirada de Galton y Batut, es un intento de encicopledización absoluta del saber.  Confeccionar una atlas con los datos fisiognómicos y fichas arquetípicas, es para ellos una metodología para una nueva ciencia de la naturaleza humana.

Dentro de la obsesión de la época de retratar  locos y criminales , Alphonse Bertillon fue un pionero de la  fotografia policial y forense. El método Bertillon consistía en un masivo programa de documentación fotográfica y medición antropométrica. Un compendio de elementos faciales fragmentados y acumulados como piezas que se podrían recómbinar. Hoy en día, aunque más sofisticado, sigue siendo un método para identificación de fugitivos, para generar lo que conocemos como “retrato -robot”.

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Alphonse Bertillion, Tabla sinóptica de rasgos fisiognómicos, 1893.

 

http://nancyburson.com

 


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Fotografía hecha por mujeres: Eva Besnyö

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Este autorretrato de Eva Besnyö (Budapest,1910) fue realizado en 1931 durante su estancia en Berlin. Había escapado del fascismo de Hungría, donde nació y pasó su infancia, y ahora, siendo judía y de ideas marxistas, le tocaba abandonar Berlin bajo la amenaza del nazismo. En 1932, emigra a Amsterdam pero cuando los alemanes ocupan los Países Bajos, se ve obligada a pasar a la clandestinidad y, con documentos de identidad falsos, logra ganarse la vida como puede hasta el final de la guerra. Mas tarde, siempre comprometida con causas sociales, militó activamente en movimientos en pro de la igualdad de las mujeres. Sigue leyendo


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Mujeres; Autorretratos frente a “selfies”.

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Los “selfies” son autorretratos hechos con la cámara del móvil, dotados de una radical inmediatez, ligados a un exhibicionismo obsesionado por el yo y pensados para ser compartidos en las redes sociales. Comparten con el autorretrato que son “autofotos”, aunque no estoy de acuerdo con los que afirman que no tienen intencionalidad, ni con  los que reivindican su naturalidad,  aun así esta claro que son cosas diferentes. Los “selfies” conjugan en nuestra mente lo peor de la sociedad de hoy en día: la superficialidad, el exhibicionismo de las redes sociales y el egocentrismo de una generación absorta en sí misma, en algunos casos dotados de un pésimo gusto y de una gran falta de respeto hacia otros seres.

Sin embargo, hace unos días leí un articulo, firmado por Eva Millán  titulado “La autoestima es revolucionaria: por qué estoy a favor de los selfies”, que me ha hecho reflexionar bastante sobre el tema. La autora mantiene que los selfies son una rebelión contra todas las imposiciones de la imagen femenina en los medios de comunicación. La variedad de representaciones, de cuerpos e identidades, que gracias a los “selfies” se propagan por las redes, contribuye a combatir las imágenes idealizadas de la mujer con la que nos bombardean la publicidad y los medios.

“Algo tan mundano como un retrato se convierte en radical cuando es la mujer la que tiene el poder sobre la imagen de sí misma que proyecta al mundo”.(EvaMillán)

Esto me lleva a pensar en la cantidad de autorretratos realizados por mujeres artistas y fotógrafas, las que se iniciarón en el medio cuando la fotografía era todavía una novedad tecnológica y las que en la actualidad siguen usando el autorretrato como reflexión acerca de su propia identidad. Ese ejercicio intimo de autoanálisis y de autoconsciencia a traves de la cámara, se convierte, a su vez, en un cuestionamiento de las expectativas sociales de la mujer, de su apariencia según los cánones de belleza vigentes, la maternidad, el maltrato o sus roles sociales y culturales.

Mi opinión sobre los selfies ha cambiado (“rectificar es de sabios” como dice el refrán) y ya no los veo con tan malos ojos. Teniendo en cuenta que ya se han emitido varias “fatwa” contra las “selfies” en países musulmanes donde las mujeres han respondido en masa publicando sus “selfies” e instando a la población femenina en todo el mundo a sumarse a la campaña denominada “#Selfie4Siauw”, he de reconocer que algo de bueno tienen.

Aquí os dejo, a modo de recorrido, una pequeña muestra de autorretratos de mujeres artistas y fotógrafas, porque hay muchas más. Cada una de ellas, a su modo, han ayudado a replantear la imagen de la mujer.

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Marion Viola Stark Gaines, cerca de 1890.

Frieda Riess, Self-Portrait, 1922

Frieda Riess, 1922.

Madame d'Ora, Self-Portrait, c. 1925

Madame d’Ora, 1925.

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Claude Cahun, 1927.

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Lotte Jacobi, Berlin,1929.

Marianne Breslauer1930

Marianne Breslauer, 1930.

Germaine Krull1930

Germaine Krull, 1930.

Ilse Bing1931

Ilse Bing, 1931.

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Eva Besnyö, 1932.

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Grete Stern, composición autorretrato, 1943.

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Diane Arbus, Embarazada, N.Y.C., 1945.

Eve Arnold1950

Eve Arnold, 1950.

Vivian Maier1955

Vivian Maier, 1955.

Inge MorathJerusalem 1958

Inge Morath, Jerusalem, 1958.

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Imogen Cunningham, 1958.

Valie Export, Self-Portrait, 1968

Valie Export, Self-Portrait, 1968

Sue Ford 1974

Sue Ford, 1974.

Sally Man1974

Sally Man, 1974.

Hannah Wilke, 1975.

Nan Goldin - Self-Portrait after suffering domestic abuse, 1978

Nan Goldin, 1978.

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Suzy Lake, “Are You Talking to Me?” (1979).

 

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Francesca Woodman, “Self-portrait Talking To Vince,” , c.1980

Birthday Suit Age 36 April 22, 1981.

Lucy Hilmer, “Birthday Suit Age 36 April 22”, 1981.

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Linda McCartney-1997

Dita Pepe

Dita Pep,“The Self-portraits” serie que empezó en 1999 con fotos de ella misma en la vida de otras mujeres.

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Jen Davis-2005

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Ana Alvarez Errecalde, “El nacimiento de mi hija”, 2006.

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Laurence Demaison, 2006.

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Natalie Dybisz, conocida como Miss Aniela, 2006

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Trish Morrissey, Hayley Coles, , 2006

Loretta Lux, Self-Portrait, 2007

Loretta Lux, Self-Portrait, 2007

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Rachel Graves, “Menagerie,”2007.

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Erica Simone, del  proyecto “Nue York”,  que comenzó en 2009.

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Yowayowa, 2011.

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Jade Biell, Lactancia materna, 2011.

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Gillian Wearing, “Me as my father” (Yo como mi padre), 2013.

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Iiu Susiraja, 2011-2013

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Mariell Amelie, 2013

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Samantha Geballe,Self-Untitled, Phase 1 (2013-2014)

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Adama Delphine Fawundu, ¨DeconstructingSHE¨, 2013-2014.

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Izumi Miyazaki, 2012-2013

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Noriko Yabu, Siusou, 2013.

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Hisatomi Tadahiko, 2014.

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 Kaija Straumanis, 2014.


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Fotografía hecha por mujeres: Lola Álvarez Bravo

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Lola Álvarez Bravo es una de las primeras fotógrafas mejicanas y la más prolífica. Su  variada carrera se extendió a lo largo de cincuenta años y en ella combinó la fotografía comercial y la enseñanza junto con la exploración de sus intereses artísticos. Lola fue  una mujer y artista extraordinaria, que tuvo que luchar con gran tesón por derribar los roles establecidos para las mujeres en su Méjico natal. Hablamos de 1930 , donde el mero hecho de trabajar  te enfrentaba a la sociedad entera.

” Había mujeres artistas pero se suponía que no debían trabajar en la calle sino en el estudio”

La gran complejidad de su obra revela su interés por el surrealismo y el uso vanguardista del fotomontaje, así como su dominio en una variedad de géneros. Gran admiradora de fotógrafos como Edward WestonTina ModottiHenry Cartier Bresson entre otros, Álvarez Bravo consiguió emprender una carrera independiente que tocó una amplia variedad de temas: imágenes documentales de la vida cotidiana y la pobreza en zonas rurales y calles de las ciudades de Méjico, retratos de grandes intelectuales, escultura o arquitectura. Sus imágenes están delicadamente salpicadas de ironía y juegos visuales, fue una de las figuras clave del movimiento mejicano postrevolucionario.

Durante toda su vida mantuvo amistad con un nutrido grupo de intelectuales y formó parte de un dinámico círculo de artistas: Diego Rivera, Frida Kahlo, Rufino Tamayo, Maria Izquierdo, o David Alfaro Siquerios.

“Las mujeres que trabajábamos y lográbamos hacer algo, y que nos respetaran dentro de nuestro trabajo y por nuestro esfuerzo, éramos muy pocas.”

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“Pespunteando en la brisa”, 1930s

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“El sueño de los pobres”, fotomontaje,1935. Sigue leyendo

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Simone Nieweg: La huerta conceptual

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“Nature Man-Made”es el titulo del libro de la fotógrafa alemana Simone Nieweg (Düsseldorf , 1962). En el se recogen diez años de trabajo de documentación fotográfica de un paisaje amenazado de extinción, concentrado básicamente en la tierra agrícola del Bajo Rin y la cuenca del Ruhr, en su Alemania natal. Aunque mas tarde comenzó a fotografiar también en Francia y otros lugares, siempre ha preferido trabajar cerca de donde vive, para poder estudiar los lugares con el paso del tiempo.

Sus imágenes nos muestran paisajes en la periferia de ciudades y nucleos urbanos: pequeñas granjas, áreas a pequeña escala como huertas y cultivos de frutales, o grandes extensiones de cultivos con cierto grado de mecanización pero nunca explotación agraria industrial, centrados básicamente en el autoconsumo y la explotación familiar.

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Lee Miller. ¿Angel o demonio?

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“I looked like an angel, but I was a fiend inside”…

“Parecia un angel, pero era un demonio por dentro”…

Esto es lo que Lee Miller (EEUU,1907) pensaba de si misma después de haber abandonado su vida como reportera fotográfica  y retirarse a vivir a una granja en Sussex en 1947. Allí guardó los miles de negativos y hojas de contactos en una caja en el desván, y allí quedaron escondidos hasta que, tras su muerte en 1977, los encuentra su nuera Susana, la mujer de su único hijo Antony Penrose. Junto al material fotográfico  su hijo también encontró varios diarios y descubrió,  no solo la carrera como fotógrafa de su madre, sino algunos detalles de su vida que le hicieron comprender el porqué de la atormentada, y a veces cruel, personalidad de la mujer que el había conocido.

Su especial belleza fue para Lee fue un arma de doble filo. Su infancia se quebró cuando fue violada por un conocido de la familia con tan solo siete añitos. Si esto no hubiera sido suficientemente terrible, encima este desgraciado la infectó de gonorrea. Su madre, que había sido enfermera, la sometió durante años a un tratamiento doloroso e invasivo, incluso desinfectaba todo lo que la niña hubiese tocado. Su padre,  fotógrafo aficionado, decidió entonces, parece que con buena intención pero creo que no con mucho acierto, hacer posar a su hija desnuda para sus fotografías a modo de peculiar exorcismo que continuo a lo largo de toda su adolescencia. Sigue leyendo